Jei Beibi es donde Café Tacvba reinventa la música pop de sus sueños colectivos de infancia para el siglo XXI. El primer álbum de The Cafetas en cinco años fue grabado fuera de Los Ángeles con el productor Gustavo Santaolalla (su “quinto Beatle”) y Joey Waronker en la batería en vivo (repitiendo su papel de Cuatro Caminos). Aquí tocan de todo, desde pop chicle hasta R&B, pasando por baladas psicológicas, cumbia, vallenato, tango y más. Incluso ofrecen un himno irresistible en el primer partido “1-2-3” que logra combinar elementos de todos ellos. No puedes darle demasiada importancia. No importa la alta calidad de sus tres sencillos previos al lanzamiento de este: el loco y estimulante “Futuro”, el pop empapado de psicología de “Disolviéndonos” o el desamor atípico de “Que No”, “1-2”. -3″ agarra al oyente y no lo suelta. Con su caja de tiempo de corte, una línea de sintetizador de dos acordes al estilo de los 80 y Rubén Albarrán gritando “Hey baby” (las únicas palabras en anglo en el disco) en la introducción, el gancho está listo. La melodía y el coro están inspirados igualmente en Curtis Mayfield y Nile Rodgers, pero hay una elegante sensación de rock de estadio de los 70 en la línea de bajo y la batería. Es el himno pop más puro que puedas encontrar. “Enamorada” es un tango lento, espeluznante y psicodélico al ritmo de cumbia. Teclados espectrales y guitarras reverberadas enmarcan la sensual voz de Albarrán, pero en realidad es la línea de bajo de Enrique Rangel la que contiene el gancho. Aparte de su asombroso video, “Futuro” sigue siendo una canción formidable; su melodía popular sudamericana está acompañada por el golpeteo circular del tam-tam de Waronker. Mientras que Albarrán y el guitarrista principal Joselo Rangel comparten la voz principal, la electrónica de Meme (también conocido como Emmanuel del Real Díaz) se construye por debajo casi hasta el punto de inflexión. A los Cafetas les encanta la música folklórica. Ha sido parte de todos los álbumes desde 1996. Incluso en un esfuerzo hábilmente producido como Jei Beibi, logran no alterarlo demasiado, incluso cuando lo utilizan para el pop con tintes oscuros de “Vaiven”, donde la canción se transforma en vivo. percusión que se asemeja a una pista de clic acompañada de marimbas retumbantes, trompetas de registro bajo y efectos electrónicos puntiagudos. Juan Gabriel y Prince se habrían sentido orgullosos del mencionado “Que No”, un himno desgarrador con una arrogancia y un alma realmente sexy que podría ser interpretado desde el escenario de cualquier estadio con la participación total del público. Las cosas se vuelven un poco difíciles de manejar durante el comienzo de “Diente de León”, que eventualmente se revela como un vals de rock & roll con sensación y alcance cinematográfico. La interacción de ritmos y las capas vocales de Albarrán es casi impresionante. “Celebración” más cercana es exactamente eso. Bombos gruesos y contundentes, una línea de bajo que suena como una tuba, guitarras de surf con reverberación y teclas brillantes acompañan una melodía para cantar antes de que un interludio orquestal haga que todo se vuelva loco, pero nunca pierden el ritmo. Un cántico comunitario, con un coro de niños para el peso, lo acaba en menos de tres minutos. A pesar de toda su aventura, Jei Beibi es sólidamente consistente. Aquí no hay un momento débil o incluso aburrido. Pero entonces, ¿qué más se puede esperar de una de las bandas de rock más importantes del mundo?

Séptimo album de estudio

Café Tacuba, uno de los grupos más famosos de México, es un cuarteto ganador de un Grammy cuya mezcla de rock, folk, música mundial, electrónica y una gran cantidad de otros estilos les ha ganado seguidores apasionados entre los fanáticos de la música y los críticos. En 1995, Café Tacuba realizó un set acústico para la serie Unplugged de MTV Latin, y en 2005 esta actuación fue lanzada en CD y DVD. Unplugged incluye las selecciones “El Metro”, “La Ingrata”, “Esa Noche”, “Una Mañana”, “Bar Tacuba” y otras siete.

Desde mediados de los 90, cada lanzamiento de nuevo álbum de Café Tacuba era un evento, especialmente en el México natal de la banda. Esto se debió en parte al considerable renombre de la banda y su reputación de evolucionar estilísticamente, pero también a que los lanzamientos de nuevos álbumes fueron pocos y espaciados. Al igual que Cuatro Caminos (2003), Sino fue esperado ansiosamente por los fanáticos de Café Tacuba, el abanderado del rock en español más reconocido del mundo. La querida banda se tomó su tiempo con ambos álbumes (cuatro años para cada uno) pero la espera valió la pena, como suele ser el caso con Café Tacuba: la música resultante es abundantemente creativa y enriquecida con ideas musicales frescas y canciones bien desarrolladas. Sin embargo, las comparaciones terminan ahí. Mientras que Cuatro Caminos fue un paso audaz hacia el ámbito de la producción de la era digital (un álbum de rock experimental aclamado por la crítica, infundido con los gestos de la electrónica, generó frecuentes comparaciones con el trabajo Kid A/Amnesiac de Radiohead), Sino considera que Café Tacuba se está reduciendo mucho. de la excentricidad de sus últimos álbumes de estudio: los gestos electrónicos de Cuatro Caminos se reducen, al igual que la experimentación abierta de Revés/Yo Soy (1999), la torsión de género de adentro hacia afuera de Avalancha de Éxitos (1996), y la expansión tipo Álbum Blanco de Re (1994). En cierto modo, la dirección reducida de Sino cierra el círculo de Café Tacuba en su debut, Café Tacuba (1992), ya que ambos álbumes enfatizan sobre todo el arte de cantar conciso y melódico. Sin embargo, hay una clara falta de humor en Sino, ya que el tono existencial y bastante serio del álbum está muy alejado del trabajo inicial, a menudo estrafalario, de Café Tacuba. La contradicción de la banda persiste, aunque hay un enfoque más maduro y serio que se basa en la consideración lírica en lugar de bromas sabelotodos. La música de Sino es sorprendentemente sencilla (compuesta casi exclusivamente de voz, guitarra, bajo, batería y teclados) y, en general, las canciones son melódicas, impulsadas por la guitarra, ancladas en fuertes estribillos y tienden a resumirse en tres a cuatro minutos. La gran excepción es la pieza central del álbum “Volver a Comenzar”, una canción majestuosa que dura casi ocho minutos y tiene un riff de teclado altísimo sacado directamente de mediados de los años 80, y también el cierre del álbum “Gracias”, que marca el ritmo. a los seis minutos y avanza violentamente hacia el final cuando la música finalmente se deshace después de una hora de canto preciso.

Álbum debut homónimo lanzado en 1992. Editado por la compañía discográfica WEA Latina, con Gustavo Santaolalla como productor. Rubén Albarrán, el vocalista principal de la banda fue acreditado como “Juan, el que hace como que canta” en las notas del forro del disco.